As flores
Os frutos
Os bichos
Os pássaros e os seres

O Brasil de Francisco Brennand

“Nós, nordestinos, nos preocupamos em ser fieis à terra, aos mitos, às histórias, às formas e às cores da região. Não nos damos por satisfeitos senão quando sentimos que tais coisas estão agredindo os outros à primeira vista, de dentro de nossas obras.”

Ariano Suassuna

Esta exposição é uma pálida homenagem que aqui de São Paulo e do Museu Afro Brasil prestamos ao mestre Francisco Brennand pela passagem de seus oitenta anos de vida. Dizemos pálida porque sabemos o quanto ele é merecedor de muito mais do que uma pequena mostra de seu grande talento e por tudo que construiu ao longo desses anos para dignificar a arte brasileira.

Todos sabem o quão pouco este país cuida da relevância em exaltar aqueles que de fato contribuem com seu esforço e seu talento, e até com renúncias quase religiosas, para construir a obra de uma vida inteira como a do pintor e escultor Francisco Brennand. Foi-se o tempo em que se dava a merecida importância aos museus e às instituições culturais dedicadas a preservar a memória da historia passada e recente do Brasil. Cada vez mais a chamada grande mídia, ocupada com os graves problemas que afligem o País, põe no limbo os aspectos culturais e artísticos que celebram aspectos originais da nossa cultura e que se tornam cada vez mais significantes diante da grande contribuição de artistas e de homens que fizeram ou se fazem importantes na consolidação da identidade nacional.

De sua personalidade e de sua obra muito já se escreveu, e também do seu atelier na Várzea no Recife, um grande espaço em que sistematicamente ele guarda tudo por ele produzido, mais ainda a monumental instalação nas ruínas da antiga fabrica da família: milhares de esculturas, painéis, murais, jardins, como o de Burle Marx, numa atmosfera única em meio à vegetação luxuriante da Mata Atlântica.

Com isso Brennand faz um grande e generoso gesto para a preservação da mata original e ainda oferece aos seus visitantes a mais nova obra da arquitetura brasileira, a capela projetada pelo arquiteto Paulo Mendes da Rocha sobre as ruínas da antiga casa-grande da fazenda.

Contudo, no silêncio do seu espaço, ele segue criando suas esculturas, suas novas e atuais pinturas bem distintas dessas produzidas por ele entre as décadas de 60 e 80.

Escolhemos essas obras por serem pouco vistas nas muitas exposições que Brennand tem realizado nesses últimos anos. Elas representam de fato um outro tempo de sua inquietação, uma procura de expressar com significado um lado seu nordestino, bocejando a atmosfera tropical e selvagem brasileira com o gosto da terra, bravia, luminosa, de cores fortes e quentes.

Uma pintura marcadamente figurativa, acentuada por um grafismo como um halo em torno da figura; uma linha contínua sinuosa, um arabesco barroco e sensual, elegante como fundo da representação do tema.

Não seria desdouro dizer do quanto Brannand se inspirou na pintura plana de Matisse, na acentuação gráfica e na modulação da cor em Leger, ou na fase antropofágica de Tarsila do Amaral. Essa fase de sua pintura absorve essas influências da pintura desses mestres sem, contudo, deixar de ser original e reconhecidamente brennandiana. Elementos geométricos com figuras mastigadas pela antropofagia em transe representam a construção desse universo das coisas todas juntas, como grandes naturezas-mortas com objetos plasmados num fundo abstrato sem volumetria ou a representação simbólica de elementos sólidos que se entrelaçam e se desintegram no espaço como uma explosão de um átomo.

Essas pinturas têm na sua composição algo de monumental, de eloqüentemente exacerbado e desafiante. Uma espécie de gigantismo de seres em metarmofose, essas lagartas, mandacarus, flores, frutos, formas geométricas, troncos, animais, espinhos dançando numa metamorfose ilusionista de planos, relevos, claros e escuros, um frenesi de ritmos e tensões. Elas também têm no seu mais puro dogma a tentativa de se criar uma obra brasileira voltada para as nossas raízes multiculturais, apesar de todos os preconceitos postos na nossa dita cultura de colonizados.

Em toda a construção dessa grande pintura reside a mestria do grande colorista que é o Francisco Brennand. Sua pintura desse tempo tem mesmo o sopro da pintura, do domínio da cor, da composição e de criar uma atmosfera surrealista, que, aliás, é a linguagem que impregna toda sua obra, incluindo seus relevos, suas esculturas, seus painéis e murais mesmo e, sobretudo, sua pintura atual, em que ele acrescenta, discursivo, metáforas para tratar sugestivamente dos embates e provocações literárias com as quais sua obra como um todo se envolve neste momento.

Brennand é um intelectual que permeia todo seu conhecimento humanista com a sua obra artística, um forte desejo exercido no dia-a-dia do seu cotidiano. Provavelmente ele encontrou o ponto de equilíbrio para tornar materializadas todas ou quase todas as questões subjetivas e históricas de nosso tempo. Ele também é um homem político, consciente do seu papel como investigador e colaborador de políticas públicas no tempo do governador Arraes e quando teve participação ativa na campanha de alfabetização do educador Paulo Freire naqueles memoriais anos 60..

Claro que a curadoria dessa exposição que dedicamos a Francisco Brennand não tem um tom saudosista, nem pretende estabelecer algum critério para essa escolha ou qualquer outra fase do artista, pois entendemos que sua obra se consolida como um todo sólido, em permanente inquietação e proposição, questionamentos; até mesmo sua relutância com o mercado de arte não deixa de ser um gesto considerável diante de toda sua grande produção artística aprisionada nos seus espaços. Tanto é assim que suas esculturas presentes nessa mostra são um contraponto de como ele transfere para a tridimensionalidade seus questionamentos estéticos, com a mesma vitalidade e o traço muito claro e orgânico do seu trabalho.

A volúpia é mesmo uma constante em sua obra de escultura, de desenhos ou das pinturas antigas e recentes; elas se completam como expressão de um tempo ou de todo um tempo de procuras desse obstinado trabalhador de formas orgânicas, viscerais, dispostas a nos atacar como um ser vivo e lúdico. Nessa exposição está ainda um Pássaro Roca gigante, uma escultura que contradiz pela verticalidade essa idéia única da volumetria da obra de Brennand; suas esculturas, que ocupam imensos espaços da Várzea, provam, ao contrário, que ele sempre foi afeito aos desafios dos grandes murais, das grandes empenas de edifícios, da repetição das pedras cerâmicas produzidas para os grandes espaços da arquitetura. Ainda assim propusemos a Brennand o desafio de um painel em cerâmica atual com a questão do grafismo, da construção da linha, da retomada monumental da composição com elementos inerentes à sua obra de antes, e aí está o resultado: um painel de seis metros de comprimento por dois e sessenta de altura. Tudo isso para mostrar a vitalidade de uma obra que não estacionou no tempo, mas que continua a desafiar o próprio artista e propor a ele mesmo o verdadeiro sentimento que rege a criação artística, como o da procura, da inquietação e da contestação de si mesmo no tempo, no espaço e no eterno jogo da criação.

São Paulo, 08 de outubro de 2007

Emanoel Araujo
Curador do Museu Afro Brasil

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Exposição comemorativa dos 100 anos de morte de dois personagens do Séc. XIX, José do Patrocínio, que foi, além do Tigre da Abolição, também colaborador da Revista de Rafael Bordalo Pinheiro, O Bezoiro criada em 1877.

Dois em Um é uma metáfora para traçar a trajetória Política e sócio-cultural desse Brasileiro e desse Português que se encontraram no Rio de Janeiro e morreram no mesmo ano de1905, um em Lisboa e o outro no Rio de Janeiro.

Patrocínio morreu escrevendo sobre a morte de Rafael. Este é o texto deixado incompleto, assim como narra Patrocínio Junior no poema: Rafael Bordalo Pinheiro.

José do Patrocínio, chamado o Tigre da Abolição além da grande luta abolicionista, sempre teve enorme participação na vida cultural do Rio de Janeiro, como escritor, poeta, jornalista e inventor.

A mecânica da exposição se organiza com uma linha do tempo para envolver outros personagens importantes na campanha abolicionista como Antonio Bento, Luiz Gama, Joaquim Nabuco, André e Antonio Pinto Rebouças, Princesa Isabel e a Família Imperial Brasileira.

A exposição concretiza todo esse período com obras originais tais como móveis, gravuras, pinturas, caricaturas e textos dos dois personagens e diversos autores da época.

A exposição em dois segmentos é que constitui duas visões do tempo. Foi pensada para formar uma grande montagem como se fosse um enorme diorama ampliado pelos espaços.

Emanoel Araujo
Curador do Museu Afro Brasil

Os Adornos de Rogélia Peres

Os Adornos de Rogélia Peres
Fios de Conta como Pintura
Rogélia mora e trabalha na cidade de Recife, Pernambuco.

Seus belos adornos, como se jóias fossem, são uma elaborada feitura com contas, miçangas e miçanguinhas, pedras semi-preciosas que ela originalmente compõe trançando extraordinárias fantasias de formas, ritmos e cores.

A feminilidade desses adornos vão além da fantasia destituída de significados. São mesmo jóias elaboradas com fino requinte e fino gosto de uma artista que inclui na sua criação um apurado sentido pela cor, e que muitas vezes nos remete a uma atmosfera das pinturas românticas de um Fragonard. Outras vezes, seu adorno e bordado de contas se aproximam dos enfeites africanos.

E sendo assim, esta exposição nos revelará uma grande criadora, que sai dos limites do simples enfeite, para transformá-lo num gesto de pura criação, onde a luz, o brilho, os ritmos, as gamas de cores, compõem uma inusitada paleta de maravilhosos e iluminados objetos, prontos para aderir ao corpo feminino.

Emanoel Araujo

Rubens Ianelli - Pinturas e pequenas esculturas
O talento do artista Rubens Ianelli desvelado no contraste entre os grandes formatos de suas pinturas e as pequenas formas de suas esculturas em pedaços carcomidos de madeira.

Kazuhiro Mori - Pinturas
A singular pintura abstrata do artista nipo-brasileiro Kazuhiro Mori, nutrida entre duas culturas contrastantes, exposta em telas que remetem a paisagens desérticas e à leveza do vento.

Brasil África Unidade Original - Fotografias e Vídeos
Fotografias e desenhos retratam paisagens celestes, imagens de satelites , remetendo ora às viagens através do Atlântico e à ancestralidade humana, ora aos vínculos permanentes entre Brasil e África expostas em fotos feitas no Sudão, no Quênia, na Bahia, no Vale do Amanhecer em Brasília.

O mais completo levantamento já realizado sobre a fotografia baiana desde as suas origens, em 1839, até hoje. Coordenado pelo fotógrafo Aristides Alves, Maria Guimarães Sampaio escreve “Da Photographia à Fotografia 1839-1949”, enquanto Rubens Fernandes Junior e Gustavo Falcón escrevem sobre o período 1950-2006. O livro mapeia o trabalho de 107 profissionais antigos e contemporâneos cujos trabalhos estão registrados em 215 fotos especialmente selecionadas pelos seus organizadores.

Várias gerações de profissionais e diferentes técnicas utilizadas por eles integram o livro que destaca nomes como Mullock, Gaensly, Lindemann, Pierre Verger, Voltaire Fraga e os mais importantes fotógrafos das áreas do jornalismo, publicidade e de ensaios, ao longo da contribuição profissional que deram ao gênero na Bahia.

Acurada pesquisa realizada por Célia Aguiar e Maria Sampaio em jornais e arquivos públicos e privados, reproduzida por Adenor Gondim, permitiu a montagem de um expressivo mosaico de talentos, contextualizando a contribuição de cada um deles, proporcionando ao interessado pela história da fotografia baiana, ou pela própria história da Bahia, uma visão representativa de distintas épocas e de temas e técnicas a elas referentes.

O lançamento do livro “A Fotografia na Bahia” será marcado também pela exposição de 80 fotos abordando toda a trajetória contemplada pelo livro.

Nas pinturas de José Balmes e de Gracia Barrios o primeiro lugar está destinado a retraçar a presença das vítimas de certos combates emblemáticos de nossa história. O gesto que autoriza os signos reproduz a velocidade de uma pintura mural realizada sob condições de extrema restrição. Não há tempo, sequer, para escrever ou pintar uma letra “como se deve”. Não há letra que resista.

Nos papéis de 2004, Gracia Barrios reproduz a sobrevivência das pinturas de 1971 e 1972, muitas das quais são trabalhadas a partir de moldes que recortam as figuras e as fazem comparecer em seu grau zero de consistência. Esta foi a maneira de, em sua obra, recolher a sombra do desejo de representação social dos corpos, em condições de extrema ameaça à sua integridade identitária. Esses desenhos, por chamá-los de algum modo, expandem a linha do desejo como se fossem a antecipação das imagens perdidas de uma história sobre a qual a artista tem podido ser algo mais que testemunha; isto é, construtora do lugar que deve acolher os corpos que faltam. Uma política afetiva transformada em política de linha, no sentido que a palavra política se refere às condições de retenção da energia cromática e figural.

Já Balmes vem indicar a envergadura de um drama de inadequação. O referido torna-se impronunciável: só cabe o silêncio dessa grafia inepta com a qual Balmes escreve algo similar à palavra “assassinado”. Mais não se pode saber. O resto são traços indevidos que não podem senão assinalar a dificuldade de se remeter a um relato atribuído para localizar o que já não tem lugar nos arranjos das “grandes potências”. Daí que Balmes restitua ao campo artístico o lugar que se nega ao tema no campo político.

Dia 20 de Novembro de 2006, Dia da Consciência Negra, o Museu Afro Brasil inaugurou a nova museologia do acervo permanete, com destaque para a sala do Navio Negreiro. Dedicada à memória da travessia dos escravos da África até às Américas e compreendendo desde um esqueleto de navio até imagens ampliadas, a sala do Navio Negreiro inclui instalação audiovisual, documentos e objetos que se referem ao tráfico, comércio e castigo dos escravos.

Na mesma ocasião, foram inauguradas 6 exposições:

“A Pele dos Filhos de Gea”. Mostra com obras das artistas espanholas Isabel Muñoz e Maribel Domenech. Isabel Muñoz traz ao Brasil suas fotografias feitas na África, onde o corpo aparece principalmente a partir do recorte estético da escarificação. Nas fotos de Isabel Muñoz, a escarificação aparece não como mutilação, mas como voto sagrado de um povo que tem sua coerência cultural assegurada por rituais bastante específicos. O trabalho de Maribel Domenech será divido em duas partes, na verdade dois vestidos femininos que também apontam para uma chave de interpretação da vestimenta como marca tribal. Enquanto a artista trabalha com objetos e formas próprias do cotidiano, seu gesto amplia e transcende a determinação racional dos seus significados. O vestido é então uma estrutura externa desenhada de modo a disparar uma experiência interna.

Gaspar Gasparian. “Gasparian na África”. A mostra de Gaspar Gasparian é uma seleção de fotografias recém-descobertas pelo seu filho e que trazem o registro de uma viagem pelo continente africano, especificamente entre o Senegal e a Guinea. É uma oportunidade de se contemplar um outro lado deste fotógrafo, tão conhecido por suas construções fotográficas geometricamente construídas em estúdio ou no espaço urbano da cidade de São Paulo.

Anízio Carvalho. A mostra de fotografias de Anízio Carvalho traz para São Paulo a memória visual deste velho foto-jornalista baiano que, além de revelar por suas lentes momentos históricos da vida social, política, religiosa, sagrada e sincrética de seu Estado, deixou um legado de obras jornalísticas que são verdadeiras obras de arte, pelo que essas imagens transcendem da realidade do tempo e do espaço local em que foram feitas.

Eustáquio Neves. “Máscara de Punição”, “Encomendador de Almas” e “Os Arturos”. As três séries fotográficas deste artista mineiro tratam da ancestralidade afro-brasileira re-significada. A primeira série mescla a máscara de punição e o retrato da mãe do artista. A segunda série é uma homenagem a Seu Crispim, um remanescente do Quilombo do Baú que lida com o rito de passagem de encomendar a alma do morto. “Os Arturos” é uma série mais antiga do artista, que registra o cotidiano e a religiosidade do povo Arturo, quilombolas da cidade de Contagem, Minas Gerais.

Caetano Dias. A exposição do artista baiano apresenta sua série de cabeças feitas de açúcar de rapadura e algumas ampliações fotográficas. A obra de Caetano Dias lida constantemente com questões do sagrado que se constrói a partir do sincretismo entre cristãos e africanos. Este projeto do artista prevê o molde de cabeças de brasileiros de várias raças e procedências que depois são transformados em açúcar, numa alusão direta à história social dos negros na colônia, da escravidão e sua herança cultural.

Yedamaria. A exposição desta artista baiana, que já viveu nos Estados Unidos, será composta por pinturas e gravuras. A obra de Yedamaria é marcada pela composição vibrante de cores e pela forte delicadeza do gesto artístico, que representa as coisas do cotidiano com uma sensibilidade e um olhar marcadamente feminino.

Museu Afro Brasil inaugurou no dia 22 de agosto "Rever a Coleção Odorico Tavares: Do Gabinete do Jornalista, aos meus poemas aos meus pintores" que traz parte da coleção de Arte brasileira deste jornalista pernambucano, naturalizado baiano.

A qualidade da coleção de Odorico Tavares e a paixão que a ela devotava fez com que ele encomendasse ao arquiteto Diógenes Rebouças o projeto de uma casa para abrigá-la.

O belo projeto, implantado na escarpa do morro Ipiranga, desenvolvia-se em vários planos diferenciados, acompanhando a própria geografia do morro e criando um cenário magnífico para abrigar sua coleção de arte barroca, a imaginária brasileira e o mobiliário do século XVIII e XIX, bem como a invejável coleção de arte moderna, que ficava numa galeria de onde se tinha visão quase panorâmica da casa.

Havia na casa uma sala íntima, uma espécie de biblioteca e arquivo, na qual as muitas mapotecas estavam repletas de diversas gravuras, desenhos, álbuns e curiosidades de muitos artistas de sua admiração. Era ali onde estava a coleção quase que sagrada com as obras gravadas de Poty Lazarotto, Portinari, as ilustrações de Carybé, Carlos Thiré, Eros Martins Gonçalves, Livio Abramo, Lina Bo Bardi, Noêmia Mourão, os muitos álbuns de obras originais de Marcelo Grassmann, Djanira, Bandeira, Aldemir Martins, Axel Leskochek, Hansen-Bahia, Calasans Neto, coisas de um tempo em que era voga no Brasil tais edições limitadas, e muitos outros artistas que me fogem agora da memória.

Odorico adorava os artistas espontâneos, chegou mesmo a escrever sobre um deles, chamado Rafael, de quem nunca encontrei seus trabalhos. Mas em sua coleção existiam tantos João Alves, o engraxate negro de olhos azuis, que pintava na Praça da Sé, em Salvador, como também existem belas paisagens e visões da Bahia, pintadas por Willys. Odorico nutria também um enorme carinho pelo pintor Cardoso, com suas pequenas telas e seu enorme lirismo.

Já são vinte e cinco anos de ausência desse querido amigo de tantos anos, poeta, jornalista e colecionador, que viveu nos melhores tempos da Cidade do Salvador. Com certeza sua influência e seu gosto, sua ação política e social não deixou de ter grande ressonância na atmosfera cultural da cidade. A importância ímpar de sua coleção, nos levou a reinaugurar parte da exposição "Odorico Tavares, a minha casa baiana", previamente à disposição do público na Galeria do SESI, em São Paulo. No Museu Afro Brasil, a seleção inclui, entre outras, obras de Portinari, Di Cavalcanti, Pancetti, Aldemir Martins, Bandeira, Manabu Mabe, Carybé, além da extraordinária coleção pessoal de arte sacra baiana e pernambucana dos séculos XVII e XVIII.

Emanoel Araujo Curador

Num formato retrospectivo, a mostra da artista Carmen Calvo poderá ser vista no Museu Afro Brasil entre os dias 23de agosto e 22 de outubro. A intenção da mostra é apresentar ao público brasileiro uma dimensão clara da extensa e sólida carreira de uma das artistas mais importantes da Espanha.

A exposição Carmem Calvo, acolhe parte da trajetória de 30 anos desta artista espanhola que começa a produzir no início dos anos 1970, atinge o ápice quando representa seu país na Bienal de Veneza, em 1997, e prossegue reinventando-se até hoje. A mostra reunirá desde algumas obras inaugurais, como a série Compilações, até suas criações de 2004.

Calvo mistura suportes como a fotografia, a pintura, a escultura e instalações, e entre seus temas mais visitados estão o universo da infância e da religião. A montagem no Museu Afro Brasil traz duas instalações: a primeira, batizada de "Uma jaula para viver", e a segunda, "Tudo o que tenho buscado" concluída há dois anos.

A partir da exploração sutil do cotidiano, o trabalho de Carmen Calvo universaliza o que seriam meros dramas pessoais, trazendo para arte o que é da vida, aquilo que parece ser ficção e não é. Esse processo é perfeitamente identificável na primeira instalação, pensada a partir de uma notícia de jornal sobre a história de um garoto que foi colocado pelos pais, intencionalmente, numa jaula. A artista criou um quarto fechado com pequenos orifícios, por onde o público vê brinquedos e artigos infantis, e faz a clausura parecer ainda mais cruel.

O percurso proposto pela curadoria, assinada por Osbel Suarez, permite perceber as articulações poéticas e plásticas contraditórias da artista. Ora deixa transparecer uma certa melancolia carregada de humor sarcástico, ora faz alusão a uma ironia conceitual que deseja interpretar e reconstruir o mundo por meio do acúmulo de objetos simbólicos.

"A organização lembra aquela dos ex-votos nas paredes de igrejas ou no formato dos gabinetes de curiosidades, do século XVII e XVIII, que vieram dar lugar aos museus como os conhecemos hoje", destaca o curador. Suarez acredita que estas instituições, com suas tradições de formar, conservar e mostrar acervos, são fontes de inspiração para a artista.

Coincidentemente, o Museu Afro Brasil possui uma painel com dezenas de ex-votos na mostra de seu acervo.

Carmen Calvo estudou na Escola de Artes e Ofícios (1965-1970) e na Escola de Belas Artes de São Carlos (1968-1972). As obras da artista não se desvinculam do contexto histórico da Espanha dos anos 70, e inteirar-se desta história pode auxiliar num mergulho mais profundo na sua linguagem artística. É no final da década de 70 que a liberdade é restituída no país, e quando os jovens voltam a gozar dos seus direitos sexuais e artísticos. O ápice dessa liberdade foi o movimento La Movida Madrilena, do qual fez parte, ao seu lado de pensadores e artistas como Pedro Almodóvar. As obras "Les amis" e" L’espirit", que misturam colagem e desenho, parecem alusões a um êxtase sexual e à violência própria deste tempo.

Esta exposição é uma iniciativa do Ministério de Assuntos Exteriores e de Cooperação da Espanha, através da Direção Geral de Relações Culturais e Científicas, com apoio da Sociedade Estatal para Ação Cultural Exterior da Espanha (SEACEX) e da Embaixada da Espanha de Brasília.

O QUE É A SEACEX

Constituída 2000, a Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) tem a finalidade de mostrar, através das distintas manifestações artísticas, a realidade cultural espanhola passada e atual, contribuindo para melhorar o entendimento entre os povos e o diálogo entre as nações.

Carmen Calvo • de 23 de agosto a 22 de outubro de 2006

Chama-se África e Africanias de José de Guimarães – Espíritos e Universos Cruzados a exposição que abre dia 5 de junho e fica até 10 de setembro; um dos grandes nomes das artes plásticas contemporâneas de Portugal será retratado em 77 trabalhos (pinturas, esculturas, objetos e quadros com caracteres gráficos de um alfabeto ideográfico criado por ele, inspirado em ícones da arte negra) e 79 peças de sua coleção africana, de preço incalculável.

Muitos críticos definem José de Guimarães como um dos poucos artistas do mundo que respeita a arte sem os ditames acadêmicos, que dão menos valor à chamada ‘arte primitiva’. Após viver dois angustiantes anos de conflitos na África, sem conseguir entender os conceitos culturais do continente, na década de 1970, ele estudou a etnografia africana, especialmente a angolana. José de Guimarães alcançou um conhecimento do conteúdo das manifestações negras apoiadas em arquétipos culturais e sociológicos diferentes, e até mesmo opostos, ao seu.

A tentativa de realizar uma síntese, e possível osmose, entre as culturas africanas e européias, resultou na criação de um alfabeto ideográfico composto por cerca de 150 caracteres gráficos. 40 desses trabalhos estarão no Museu Afro Brasil.

Para o artista, a mais relevante transformação na sua pintura – a modificação de conteúdo maior do que impôs à forma, sem excluí-la – deu-se após o entendimento da arte africana. “A arte negra fez-me saber como se efetua a concentração do significar e da carga mítica das formas. É assim que, na minha pintura, a forma tornou-se símbolo e agente de um grande poder atuante”, explica ele.

“É eloqüente o talento de José de Guimarães em meio a tantas séries, cores e materiais, nessa forte ‘arte mixmídia’”, destaca Emanoel Araujo, curador da mostra e diretor do Museu Afro Brasil.


O que José de Guimarães fez com a arte africana e o que essa arte fez em suas criações
José Maria Fernandes Marques soube enriquecer a sua arte com influências externas. Depois de adotar o sobrenome artístico Guimarães em 1961, em homenagem à sua cidade natal, ele viajou o mundo. Atualmente vive e trabalha entre Lisboa (seu ateliê fica no famoso bairro de Alfama) e Paris. Em 1981 integrou a representação portuguesa na XVI Bienal de São Paulo.

Escultor de formas sinuosas, às vezes vazadas, contrapõe a rigidez da matéria lisa e multicolorida, rasgada pela luz fluida de néon, com grafismos, repetindo esses cortes no interior da escultura.

Entre 1970 e 1974, ele produziu centenas de obras que até hoje influenciam suas criações. Sua arte, então, ficou miscigenada por duas culturas, numa transição entre pintura e escultura, que resultou em esculturas bifaces de representação e significado duplos, trabalhos que também estão presentes na mostra brasileira.

Os primeiros híbridos culturais com acento na cultura africana podem ser identificados em suas obras na série de estatuetas angolanas de madeira, adquiridas por ele em feiras e lojas de arte popular, que receberam suas interferências cromáticas.

Como colecionador, Guimarães mantém uma atitude decorrente do reconhecimento e respeito que tem por outras culturas. “A minha obra artística tem seguido o trilho dos navegadores portugueses – desbravadores e criadores de uma mestiçagem –, buscando e alimentando-se nas culturas de outras regiões”.

Sua coleção não só de Angola, mas principalmente de toda a região centro-africana (Nigéria, Camarões, Gabão, Mali, Burkina Faso, Sudão, Congo, Guiné, Gana, Costa do Marfim, Togo e Benim) continua até hoje. Algumas dessas peças, com Mambilas, Mendes, Kanacas, Tchokwes, Baulés, Cabindas, Fangues, Bagas, Punos, Igbos, Markas, Bambaras, Dogons, Kotas, Iorubás, Iakas e Dans, poderão ser contempladas na exposição.


SERVIÇO

Exposição – África e Africanias de José de Guimarães – Espíritos e Universos Cruzados

Curador: Emanoel Araujo

Local: Museu Afro Brasil – Espaço Petrobras
Pavilhão Padre Manoel da Nóbrega
Parque Ibirapuera – Portão 10, fone 5579 0593

Visitação - Gratuita

De 06 de junho a 10 de setembro de 2006
De terça a domingo, das 10 às 18h

Realização:
Consulado Geral de Portugal em São Paulo e Museu Afro Brasil

Patrocínio:
Galp Energia; EDP – Eletricidade de Portugal;
LAZAM/MDS – Gestão de Seguros
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Em vista do grande sucesso da exposição Carybé, inauguramos Revisitando Carybé, mostra que traz seleções especiais da curadoria original e permite que a obra do baiano, pintor, ceramista e ilustrador Mestre Carybé siga à disposição do público visitante Hector Julio Paride Bernabó resolveu trocar o pomposo nome de batismo, argentino, por outro que significasse seu espírito e o identificasse com a nova terra adotada, a qual de fato seria sua até a morte, e para além dela, já que a Bahia e a obra de Carybé estão entrelaçadas para sempre. Foi a Bahia que este intrépido senhor interpretou e reinventou em sua obra, com todos os seus encantos e desencantos, mas sempre "a amada e velha Bahia", como a chamamos, lhe servindo de eterno útero, essa noiva íntima do sol, essa deusa misteriosa de luz ardente, dama da sensualidade e da nudez. Talvez todas estas faces tenham seduzido aquele filho de Oxóssi, definitivamente.

A exposição A imagem do som de Dorival Caymmi estará no Museu Afro Brasil, de 06 de maio a 06 de agosto. Com patrocínio da Sabesp, traz pinturas, desenhos, fotografias e instalações que, com interatividade, poderão ser apreciadas com trilha sonora das músicas que inspiraram os artistas.

A mostra faz parte do projeto criado e curado pelo designer gráfico Felipe Taborda para homenagear os principais compositores da música brasileira por meio da criação visual de artistas contemporâneos, que está na sexta edição. Tom Jobim, Chico Buarque, Caetano Veloso, Gilberto Gil e nomes do rock-pop brasileiro estiveram nas edições anteriores. As criações baseadas nas canções de Caymmi foram exibidas no Paço Imperial, Rio de Janeiro em 2005.

“Caymmi dedicou belas canções, de corpo e alma, à sua velha Bahia. Cantou ruas, ladeiras, comidas, a vida, enfim. Soube, mais do que ninguém, apreender e transmitir para que essa cultura permanecesse em nossa memória para sempre. São composições que tocam profundamente a alma brasileira”, diz o diretor do Museu Afro Brasil, Emanoel Araujo.

Designers gráficos, fotógrafos, ilustradores, escultores, artistas plásticos, cenógrafos e carnavalescos interpretaram visualmente 80 composições do mestre baiano. As músicas foram sorteadas entre os artistas que tiveram um tempo determinado para realizar suas criações.

Cada obra está exposta ao lado da letra da música e, próximo dela, um headfone permite ao visitante escutar as canções. Não foi incomum observar, nas edições anteriores, pessoas cantando a música que está ouvindo, ampliando as características da interatividade proposta.

No elenco estão nomes como Alex Cerveny, Andrucha Waddington, Antônio Bernardo, Antônio Henrique do Amaral, Arnaldo Antunes, Chico Bicalho, Cristina Portella, Dora Longo Bahia, Franz Manata, Gringo Cardia, Guto Lacaz, Iole de Freitas, J. R. Duran, Lan, Luiz Áquila, Marcello Grassmann, Maria Bonomi, Mario Cravo Jr., Regina Silveira, Rosa Magalhães, Tuca Reinés e Ziraldo, entre muitos outros.

“A força da beleza das composições de Caymmi certamente contagiou os artistas, que apresentaram um resultado de surpreendente criatividade”, destaca Taborda.

A montagem dessa exposição gera uma feliz coincidência. Três ícones da cultura baiana, de projeção nacional, encontram-se nos andares do Museu Afro Brasil, simultaneamente: Caymmi (cronista musical da Bahia e seus costumes); parte da coleção do jornalista, poeta, intelectual e agitador cultural baiano Odorico Tavares, com a mostra A mapoteca do colecionador (em cartaz até 14 de maio), e O universo mítico de Hector Julio Paride Bernabó – o baiano Carybé (em exibição até 2 de julho).

SERVIÇO
Exposição A imagem do som de Dorival Caymmi
Curador: Felipe Taborda
De 06 de maio a 06 de agosto de 2006
De terça a domingo, das 10 às 18h

Local
Museu Afro Brasil
Pavilhão Padre Manoel da Nóbrega
Parque Ibirapuera – Portão 10, fone 5579 0593

Visitação - Gratuita

Realização
Secretaria Municipal da Cultura de São Paulo – SMC
Instituto de Políticas Públicas Florestan Fernandes – IFF

Patrocínio
Sabesp

Traz pinturas, esculturas e objetos que destacam as nossas tradições populares por meio de várias linguagens que revelam a criatividade da arte genuína e das nossas mais profundas raízes. Através do olhar de Emanoel Araújo, o público vai apreciar a arte intuitiva e espontânea de pintores como José Antonio da Silva, Maria Auxiliadora, Julio Martins da Silva, Heitor dos Prazeres; de escultores como GTO, Chico Tabibuia, Nuca, Nhô Caboclo, Vitalino, João Egídio, Artur Pereira, as irmãs Maria; entre muitos outros artistas, além de originais objetos funcionais que flertam com o mundo da arte..

Entre os artistas que expressam em sua obra a força da ancestralidade estão Artur Pereira, nascido em Cachoeira do Brumado, Minas Gerais, com suas esculturas que nascem da forma encontrada na natureza, fazendo dali brotar seus presépios, suas árvores, seus animais. Essa vertente da arte popular poderia ser explicada, segundo Emanoel, quase como uma herança cultural veiculada pelo inconsciente coletivo, pela qual o criador naturalmente encontra suas soluções formais. Assim, artistas negros ou mestiços encontrariam em suas obras soluções mais ou menos próximas de sua origem mais remota. Chico Tabibuia é outro artista cuja criação tem referência direta a uma ancestralidade africana. Suas obras, de formas eretas e pontiagudas, poderiam ter afinidade com os grandes falos de pedra que povoam a paisagem da região Ioruba. Nhô Caboclo, Manuel Gracindo, Rafael Rocha, Alcides Santos, Francisco da Silva, seriam outros exemplos que ilustram essa ancestralidade, ou ainda os santos de nó de pinho produzidos no século XIX pelos escravos do Vale do Paraíba em São Paulo.

O crítico Clarival do Prado Valladares ressalta a escultura religiosa nordestina (os ex-votos), as carrancas dos barcos do Rio São Francisco, as imagens católicas dos santeiros setecentistas como obras que se expressam nos atributos de uma estética arcaica. Nessa vertente estão o escultor GTO, de Minas Gerais, com suas esculturas povoadas de seres aprisionados em grades e formas geométricas, que nos remetem a um tempo de templos sagrados, assim como o cearense Nino, cujas esculturas totêmicas são grandes formas que aprisionam personagens e bichos; e o pernambucano Nuca, com suas obras que nos remetem a outras civilizações.

Mestre Vitalino não foi apenas um de nossos mais importantes artistas, mas ainda um disseminador do fato criador da escultura cerâmica, primeiro através da família e, depois, dos companheiros que se formaram no Alto do Moura: Zé Caboclo, Manuel Eudócio, Luiz Antônio, para mencionar apenas alguns continuadores da tradição por ele inaugurada. Se Mestre Vitalino foi o primor de criação do Alto do Moura, Isabel Mendes da Cunha cumpriu o mesmo papel em Santana do Araçuaí, no Vale do Jequitinhonha.

“Em todos esses exemplos, há que se notar a continuidade e transitividade do sagrado ao profano, entrelaçados ao ponto de se tornarem indistinguíveis, no plano da criação artística que suscitam”, explica Emanoel. A exposição enfim traz uma produção que foi guardada pelo apelo de sua beleza e o engenho de sua fatura e revela o longo processo histórico de formação do trabalho no Brasil, feito através das corporações de ofício, que nunca separaram os mestres, a que chamamos artistas, dos artífices, oficiais e aprendizes que com eles adquiririam a artesania própria ao seu ofício.

As obras do pintor, gravador, desenhista, ilustrador, ceramista, escultor, muralista, pesquisador, historiador e jornalista Carybé compõem a exposição O universo mítico de Hector Julio Paride Bernabó – o baiano Carybé, que será instalada no Museu Afro Brasil – com patrocínio da Petrobras – , de 28 de abril a 02 de julho deste ano. A abertura acontecerá no dia 27 de abril (quinta-feira), às 19h.

Para Emanoel Araujo, diretor do Museu Afro Brasil e curador da exposição, “um dos mais importantes artistas baianos, por adoção e de coração, Hector Bernabó é um artista de muitas artes” e de muitos nomes. Adotou o cognome Carybé na juventude, em referência a um peixe selvagem, e recebeu o apelido de ‘capeta Carybé’ de seu amigo Jorge Amado.

Ainda segundo Araujo, o artista múltiplo não só retratou os mais diferentes momentos da misteriosa cidade de Salvador, mas foi também um profundo devoto do universo negro da Bahia. “Este universo ele registrou, conviveu, viveu e aprendeu como poucos o fizeram. Esta forma ‘africanamente’ de ser que ainda reside na Bahia através dos deuses, das Iyabás e das mães e pais de santo que cultuam, em seus terreiros, os orixás trazidos como patrimônio intangível do povo africano”.

Carybé foi igualmente um dos principais renovadores da arte moderna da Bahia, junto a Mario Cravo Jr, Carlos Bastos, Jenner Augusto e Rubem Valentim. E, ao lado de Jorge Amado, Dorival Caymmi, Pierre Verger, Bina Fonyat e Odorico Tavares fez da Bahia a mítica cidade religiosa e sincrética que ele muitas vezes materializou através de seus magníficos desenhos. Seu olhar foi profundo por ter aprendido as sutilezas de uma sociedade mestiça e multicultural.

Muitas vezes o encontravam, não em sua casa ou ateliê, mas no terreiro do Opô Afonjá, acompanhando Mãe Senhora, de quem recebeu o posto de Obá da casa de Xangô. Filho de Oxóssi, foi o Opô Afonjá que lhe serviu de inspiração para a criação de seu extraordinário álbum de aquarelas sobre os rituais, as armas, as roupas e danças dos Orixás.

“Esta exposição, portanto, tem o caráter de registrar a magnitude do trabalho deste artista através de suas pinturas, desenhos e esculturas e os objetos da cultura africana, afro-baiana e cristã que fazia de seu espaço de trabalho um universo mágico da criação”, diz Emanoel Araujo.


Carybé (Hector Julio Paride Bernabó)
(1911, Lanus, Argentina – 1997, Salvador, Bahia)

Viveu a infância entre Gênova e Roma, na Itália. Mudou-se para o Brasil e freqüentou, no Rio de Janeiro, a Escola Nacional de Belas Artes. Seguiu mais tarde para Salvador (BA), onde se fixou definitivamente a partir dos anos 50. Seu currículo inclui dezenas de exposições individuais no Brasil e no exterior, e diversas participações em exposições coletivas. Em 1956 teve sala especial na Bienal de Veneza (Itália). Ilustrou livros de Mário de Andrade (Macunaíma, edição da Sociedade dos 100 Bibliófilos do Brasil, 1957, obra reeditada em 1979 pela Edusp, comemorativa do cinqüentenário do romance, com texto de Antonio Bento); de Rubem Braga (A Borboleta Amarela, 1953); de Gabriel Garcia Márquez (O Enterro do Diabo, 1970); de Jorge Amado (O sumiço da santa: uma história de feitiçaria, 1988) etc. Em 1996 expôs na Casa da Galícia, em Madri (Espanha) e na Galeria Debran’t, em Paris (França).

SERVIÇO Exposição O universo mítico de Hector Julio Paride Bernabó – o baiano Carybé Local Museu Afro Brasil – Sala Espaço Petrobras Pavilhão Padre Manoel da Nóbrega Parque Ibirapuera – Portão 10 Visitação De 28 de abril a 30 de julho de 2006 De terça a domingo, das 10h às 18h Curador Emanoel Araujo Patrocínio Petrobras
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Ficha Técnica Projeto de Implantação do Museu Afro Brasil Realização Secretaria Municipal da Cultura de São Paulo – SMC Instituto de Políticas Públicas Florestan Fernandes – IFF Patrocínio Petrobras
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O Museu Afro Brasil recebe a exposição Odorico Tavares. Minha Casa Baiana. Mapoteca do colecionador. São cerca de 350 obras em papel e documentos e livros da coleção de Odorico Tavares, expostas ao público sob patrocínio do Grupo Telefonica no Brasil.

Entre as obras sobre papel, compõem a exposição gravuras, desenhos e aquarelas. Com destaque para nomes como Poty Lazarotto, Carybé, Hélio Oliveira, Modesto Cuixart, Cândido Portinari, Joan Miró, Georges Rouault, Henry Matisse, Lina Bo Bardi e Hansen-Bahia.

As edições dos livros publicados por Odorico Tavares compõem a mostra. Os destaques são para a coletânea de ensaios Bahia - imagens da terra e do povo, com ilustrações de Carybé; e para o livro de poemas Livro de Luciano, dedicado ao neto Luciano e ilustrado de Calasans Neto.

Completa o acervo da mostra vasta correspondência de Odorico Tavares, selecionada por Emanoel Araujo. Esta coletânea apresenta sua fluidez cultural e seu amplo círculo de amigos, dentre os quais Manoel Bandeira, Pablo Neruda, Gilberto Freire, Dorival Caymmi, além de diversos artistas plásticos e influentes pessoas do período, como Octávio Mangabeira. Há também uma série fotográfica do francês Pierre Verger, pois, além de amigos pessoais, foi o fotógrafo que acompanhou o repórter Odorico Tavares durante suas grandes reportagens realizadas para a revista O Cruzeiro.

Histórico do Curador

O baiano, natural de Santo Amaro da Purificação, Emanoel Araujo foi aprendiz de marceneiro e talhador. Aos 13 anos passou a trabalhar na Imprensa Oficial da sua cidade, na área de composição gráfica.

Após completar o curso secundário, Emanoel mudou-se para Salvador, onde cursou a Escola de Belas-Artes da Universidade Federal da Bahia.

Emanoel, que realizou sua primeira exposição individual aos vinte anos de idade, tem obras figurando nos principais museus brasileiros, coleções particulares e edifícios públicos.

No decorrer dos anos, realizou exposições individuais e coletivas em vários estados brasileiros e em algumas partes do mundo. Nos 45 anos de carreira recebeu mais de 20 premiações, dentre as quais destacam-se: o Prêmio Odorico Tavares (Bahia/1970), a Medalha de Ouro da III Bienal Gráfica de Florença (Itália/1972) e dois prêmios por linguagens distintas (gravura e escultura); foi escolhido o melhor gravador do ano (1974); e o melhor escultor do ano (1983), ambos concedidos pela Associação de Críticos de Arte de São Paulo. Já nos anos de 1988 e 1989 atuou, a convite, como Distinguished CUNY Visiting Professor of Art – Of the City College of the City University of New York” em Nova York (EUA).

O artista plástico dirigiu o Museu de Arte da Bahia (1981-1983); a Pinacoteca do Estado de São Paulo (1992- 2002) e, atualmente, dirige o Museu Afro Brasil. Além disso, foi Secretário Municipal de Cultura de São Paulo (2004).

Foi, ainda, curador de mostras como O Universo Mágico do Barroco (1998), Negro de Corpo e Alma, Carta de Caminha e Arte Popular (2000), Negras Memórias, Memórias de Negros (2001) e O Imaginário de José de Guimarães (2005).